Per quanto l’impatto della Pandemia sia stato ampiamente discusso nei contesti dell’economia e del mercato, meno diffuse sono le analisi che si sono invece soffermate sul mondo dell’arte e sull’industria dell’alta moda e, più precisamente, sulle metamorfosi che ne hanno cambiato modalità , linguaggi ed estetiche.
Nel fashion system l’emergere dell’essenzialità dell’evento, inteso come una commistione tra scenografia, colonna sonora, dinamismo in passerella e complicità tra modelli e abito, è una diretta conseguenza dell’intenso processo di digitalizzazione avvenuto durante la quarantena: uno show del passato, focalizzato sull’osservazione e le conoscenze del singolo, non avrebbe successo in una realtà come la nostra, troppo veloce e collettiva per permettere una semplice contemplazione estetica.
Oltre la moda, dunque, si afferma lo show: lo abbiamo visto con la visione di Alessandro Michele, che, accentuando la natura puramente concettuale delle proprie collezioni, ha conquistato audience sempre più ampie grazie a vere e proprie narrazioni visive, di estrema efficacia; anche se pensiamo a Coperni e all’abito spray realizzato in passerella su Bella Hadid, non possiamo negare quanto la spettacolarizzazione di quell’istante abbia contribuito a renderlo virale.
Oltre alla digitalizzazione, a plasmare il modus operandi delle sfilate è anche il pubblico: sempre più vasto, sempre più democratico, sempre più potente nella sua coesione digitale, gli utenti di tutto il mondo hanno contribuito, con i propri gusti e abitudini, a cambiare il concetto di fashion shows.
Come potrebbe, quindi, sopravvivere la semplice estetica quando il mondo si aspetta dinamismo e interazione? Tra chi prevede una scomparsa della passerella per come l’abbiamo conosciuta e chi, invece, ambisce a stabilire nuovi orizzonti e regole, ciò che possiamo intuire è che non ci sarà mai davvero una fine a questo continuo reinventarsi.